Kim Ki-duk - Samaritan Girl

Como uno de los clásicos cuentos de hadas popularizados por los hermanos Grimm, Samaritan Girl es un relato en apariencia inocente que su desarrollo permite revelar algo sombrío subyacente.
Dos adolescentes: mientras Jae-yeong (Han Yeo-reum) se prostituye con la intención de redimir a sus clientes; Yeo-jin (Kwak Ji-min) se dedica a concertar las citas y atesorar el dinero con el propósito más prosaico de reunir la cantidad suficiente para viajar a Europa.
Samaritan Girl es otra fábula religioso-moral de Kim Ki-duk acerca de la posibilidad de salvación; cuyas protagonistas son mujeres que toman decisiones, cuestionables o no, pero que entrañan el ejercicio del libre albedrío; y a su lado, están hombres incapaces de aceptar esa potestad, cuya respuesta única es la violencia.
Esta nueva parábola es una excusa para Kim Ki-duk de volver a proyectar su obsesión acerca de una sociedad en la cual la disparidad en la autoridad asignada a los roles del hombre y la mujer parece ser tan rigurosa que no existe suficiente espacio para una comunicación donde emisor y receptor estén situados en un plano de igualdad.
Pero el discurso fuerte, extremo, oscuro del realizador coreano, no es necesariamente pesimista, y habitualmente ofrece, si bien no una solución, al menos la oportunidad de reflexionar con el objeto de encontrar una solución concreta al conflicto planteado; y al mismo tiempo, amortiguar el efecto de sus duras imágenes para tranquilidad de los espectadores impresionables.

Shin'ya Tsukamoto - A Snake of June

La mirada provocativa, inquietante, voyeurista de Shin'ya Tsukamoto se posa sobre un desparejo matrimonio sin sexo, en una nueva excusa para explorar los márgenes de una sociedad, aquellos espacios no todo lo decente o moralmente íntegros que una comunidad "respetable" está decidida a mostrar.

La atractiva Rinko Tatsumi (resplandeciente Asuka Kurosawa), una sexualmente frustrada consejera en un centro de prevención al suicidio, recibe unas fotos suyas vestida con una minifalda, masturbándose en una noche lluviosa.

Las imágenes fueron tomadas a través del tragaluz de la vivienda de Rinko por Iguchi (el propio Tsukamoto), un fotógrafo asistido en forma teléfónica por la asesora, que ofrece entregar los negativos a la mujer a cambio de exteriorizar su deseo sexual oculto.

Rinko, esposa de Shigehiko (Yûji Kôtari), un marido mayor obsesivo de la higiene, indiferente y desatento, sin otra alternativa que aceptar las condiciones impuestas por Iguchi, y sin proponérselo, empieza a redescubrir su sexualidad, logrando reavivar el fuego en la pareja.

A medida que avanza el metraje, el argumento de A Snake of June se torna disparatado, incluyendo el secuestro y la humillación de Shigehiko, hecho que no llamará la atención de los seguidores del singular Tsukamoto, redondeando un relato que enseña una extremadamente peculiar terapia de parejas.

Takashi Miike - Vivo o muerto

El inicio vertiginoso, frenético, a la manera de un video-clip, nos introduce en el submundo que habitaremos en las siguientes dos horas, poblado de la fauna que deambula al acecho las calles del barrio de Shinjuku, amparado en las fulgurantes luces de neón que convierten a Tokio en una metrópolis única.

Es el universo de las correrías alucinantes, disparatadas, demenciales; plagadas de excesos, excentricidades: las travesuras del realizador japonés Takashi Miike.

En esas fascinantes secuencias se asiste a la caída al vacío desde un edificio del cuerpo de una joven, el crimen de un homosexual mientras sodomiza a otro en un repugnante baño, el estallido de unos fideos que salen del vientre de un chino expulsados hacia la cámara cuando es baleado mientras comía con voracidad, la rutina en el caño de una bailarina exótica, un homicida convertido en payaso lanza-cuchillos durante su fuga, un ejecutivo aspirando una línea de cocaína interminable en una fábrica abandonada, y un par de policías maltratando transeúntes.

En ese mismo escenario se enfrentarán Jojima (Shô Aikawa), un policía decidido a combatir al crimen organizado, padre de una hija enferma que debe ser sometida a una costosa operación, subordinado de un jefe corrupto que lo acusa de querer incendiar cada día la estación de policía y de un superior dedicado a tocar la flauta en la terraza del precinto; y Ryuichi (Riki Takeuchi), un matón que busca hacerse un espacio en la mafia para superar su origen minoritario.

Naomi Kawase - Shara

Shara empieza con un largo travelling en ralentí, en una escena que se desarrolla como si fuese un sueño, donde la cámara "observa" a los hermanos Kei y Shun quitándose manchas de tinta china y, a continuación, los "persigue" cuando Kei corre, seguido por Shun, sin que podamos saber dónde se dirige, por las bonitas calles de Nara, antigua capital de Japón y ciudad natal de la realizadora Naomi Kawase.
De pronto, Kei desaparece sin dejar rastros, como si se se desvaneciera en el aire.
La acción se vuelve a reanudar unos años más tarde, con los integrantes de la familia intentando sobrellevar la ausencia del hijo: la madre ha quedado embarazada una vez más, el padre es el director del festival de danzas callejeras de Basara y Shun pinta un retrato de su hermano.
Pero un día, reciben la ansiada noticia de la aparición de Kei.
Entonces, es el tiempo de la reparación.
El baile permite alejar los fantasmas, conjurar la suerte, mientras que la llegada de la lluvia tiene un efecto de purificación.
El nacimiento de un nuevo hijo ("Amanece" dice Reiko, el personaje de la madre interpretado por la propia directora), tiene lugar en el hogar familiar, en presencia de los más cercanos, subrayando la importancia de la familia y la comunidad.

Wong Kar-wai - Cenizas del tiempo

Rodada en 1994, Ashes of Time es el tercer y más ambicioso largometraje de Wong Kar-wai, anterior a Chungking Express, que significaría su reconocimiento internacional.
En 2008, el director hongkonés decide hacer una nueva versión, puesto que el negativo original estaba incompleto y conservado en muy mal estado en un laboratorio cerrado por la crisis financiera que afectó a Asia en 1998.
Ashes of Time Redux presenta nuevas escenas y omite otras, incorpora una estructura en capítulos, efectos especiales y una diferente banda sonora.
Pertenece al género del cine de artes marciales chino y hongkonés denominado wu xia pian.
Incluye además referencias al cine de samurais japonés y los spaghetti westerns.
Las anteriores As Tears Go by y Days of Being Wild también fueron películas de género, pero de gangsters.
Ashes of Time, una de las producciones más caras de la industria cinematográfica china en su momento, fue un fracaso comercial, dado que las escenas de acción eran pocas para esta clase de filmes, pues WKW dedicó buena parte del metraje a su obsesión: el melodrama de personas atormentadas por pasiones nunca consumadas.
Lejos de mostrarse afectado, la duración de la nueva versión es de ocho minutos menos que la original y lo que el director habría quitado son, precisamente, secuencias de acción.

Kim Ki-duk - Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera

Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera es un cambio significativo en la obra del cineasta Kim Ki-duk.
El tema subyacente a sus películas, en las que expresa una mirada sobre las relaciones humanas: pecado, culpa y redención, no encuentra en la violencia explícita un modo de realización, sino que se convierte en metáfora budista.
Alegoría con contenido moral, utiliza las estaciones del año aludidas en el título para describir el arduo y doloroso camino del aprendizaje.
La vida concebida como un ciclo que permite acceder a un mayor conocimiento, en tanto y en cuanto, se cumpla en armonía con lo que nos rodea, alejado de tentaciones y siendo conscientes de las consecuencias de nuestras actos.
En una escena fundamental, se representa el karma, una energía trascendente producida a partir de los actos de las personas; ley de la naturaleza o causalidad.
Los actos, del mismo modo que las palabras y los pensamientos, tienen consecuencias, no en el sentido de premios o castigos, sino como efecto o resultado, tendencia o propensión.
No es un determinismo, pues el hombre es libre de elegir sus acciones, pero los comportamientos negativos conllevan consecuencias disvaliosas: pesar, sufrimiento, aflicción, en esta vida y en las sucesivas, y solo a través de un proceso de aprendizaje se alcanzaría un estado de sabiduría más elevado.

Takashi Miike - Big Bang Love

Takashi Miike es versátil, prolífico, bizarro, provocador, y en su cine conviven violencia, humor, parodia, absurdo y aberraciones varias.

El tema explícito en su obra es la alienación, el aislamiento de individuos que se esfuerzan por ser aceptados en una sociedad que los rechaza, procurando una ilusoria adaptación a un mundo inhospitalario.

Expatriados -es recurrente en sus filmes la referencia a la discriminación que padecen los chinos en Japón-, abandonados a su suerte con una historia de infancia perdida.

El argumento es por demás simple: dos detenidos recién ingresados al penal son llevados a una celda, al tiempo Shiro Kazuki (Masanobu Andō) es hallado muerto y Jun Ariyoshi (Ryūhei Matsuda) confiesa el crimen.

A continuación, se lleva a cabo la investigación para encontrar al culpable, que cuenta entre los sospechosos al propio director de la prisión.

Pero ocurre que en Big Bang Love la trama es accesoria: fragmentaria y hermética; importa lo que sugiere: la mirada sobre la sociedad, y en esta oportunidad en particular, sobre la administración de justicia: rigurosa, aséptica, deshumanizada; y por supuesto, la puesta en escena: siempre innovadora, impactante, diferente del realizador japonés.

Naomi Kawase - El secreto del bosque

El cine de la directora Naomi Kawase versa sobre la pérdida, el duelo, el cómo aprender a convivir con la ausencia.
Es un arte sensorial en íntima relación con la naturaleza, hecho de imágenes que reflejan el espíritu que habita las cosas, tal como si estuviesen dotados de vida propia: el mecerse de los árboles por efecto del viento, el fluir de un río, el cálido fuego.
Machiko (Machiko Ono), una joven que ha perdido un hijo, es ayudante terapéutica en un hogar de ancianos donde cuida al Sr. Shigeki (Shigeki Uda), un paciente afligido por la muerte de su esposa Mako, acontecida treinta y trés años atrás.
Machiko y el Sr. Shigeki emprenderán un viaje en el que se internarán en un bosque, a causa del empecinamiento de Shigeki por hallar la tumba de su esposa, donde tendrá lugar un último y conmovedor acto de luto para ambos.
Kawase expone el padecimiento de Shigeki en una consumada escena que muestra a su mujer enseñándole una canción que interpretarán en el piano para, más tarde, abandonarlo lentamente.
Shigeki recobrará esa misma calidez cuando Machiko se quite la ropa para abrigarlo durante la fría noche en el bosque. Entonces, Shigeki bailará junto a Mako a modo de despedida.
Es la idea de un largo y arduo recorrido que conduce a un sitio al que llegar cuando se está listo para dejar partir a otra persona.

Eric Khoo - Be with Me

"¿Está el verdadero amor realmente allí, mi amor?
Sí, si tu cálido corazón está."

Es muy simple contar de qué trata Be with Me, pero cómo transmitir a través de palabras la sustancia de un cine hecho de emociones, sentimientos, vivencias.
Tres relatos enlazados dan vida a este largometraje: en el primero, llamado Meant to Be, un anciano dueño de un almacén, afectado por la muerte de su esposa, es rescatado del abatimiento por una mujer sorda y ciega; Finding Love tiene como protagonista a un solitario guardia de seguridad que espía a una mujer ejecutiva de la que está secretamente enamorado; finalmente, So In Love retrata las primeras experiencias en el amor de dos adolescentes entre chat y mensajes de texto.

"Tristemente, algunas veces hasta el verdadero amor puede romperse, oh cariño.
Todavía no quiere decir que el mundo se acaba."

El núcleo es un documental inspirado en la autobiografía de Theresa Chan, sorda y ciega desde los catorce años. Es maravilloso verla cocinar, enseñar a tejer, comunicarse a través de un sistema de signos táctiles efectuados sobre la palma de su mano.

Tsai Ming-liang - La nube errante

Tsai Ming-liang, nacido en Malasia, pero de ascendencia china, a los veinte años se mudó a Taipéi, desarrollando su carrera en Taiwan.
En oportunidad de conceder una entrevista con motivo de la difusión de La nube errante, Tsai confesó que no tiene sentido de pertenencia a Malasia o Taiwan, y esa misma falta de integración se manifiesta en sus personajes.
Se acostumbra citar a sus pares: Michelangelo Antonioni; François Truffaut, Jean-Luc Godard, o más propiamente la Nouvelle Vague, entre sus referencias.
Los temas recurrentes de su cine son notorios en La nube errante: la soledad, el aislamiento, la incomunicación en un espacio urbano alienante; representados de forma muy gráfica en esos pasillos fríos, impersonales, inhóspitos de edificios que parecen permanentemente deshabitados de la populosa Taipéi.
En la obra de Tsai existe un profundo cuestionamiento de la idea de progreso.
Dos escenas de sexo desinhibidas son esenciales al filme: la inicial con mucho humor; y la final, penosa y perturbadora.
El agua, elemento esencial en sus películas, a diferencia de su presencia en forma de diluvios en The Hole (1998); aquí es un bien escaso, siendo reemplazado por el jugo de sandía, fruta que es otra de sus figuras habituales.
Es posible reconocer sin esfuerzo sus característicos largos planos fijos, la ausencia de diálogos, una resistencia a la narrativa y el énfasis en retratar la vida cotidiana. Todo matizado con números musicales coloridos, bizarros, kitsch, que ya anticipara en la mencionada The Hole.

Wong Kar-wai - 2046

"En el año 2046 una gran red ferroviaria cubre el mundo.
Un tren misterioso parte regularmente hacia 2046.
Todos los que van a 2046 buscan lo mismo.
Recuperar sus recuerdos perdidos.
Dicen que nada cambia nunca en 2046...
pero nadie sabe si es verdad...
porque nadie ha regresado jamás.
Excepto yo."

2046 (2004), es un filme del director chino Wong Kar-wai perteneciente a una trilogía que completan Days of Being Wild (1991) e In the Mood for Love (2000).
Compleja en su trama y en la cantidad de personajes, a diferencia de In the Mood for Love, que es más lineal y centrada en la pareja protagónica, está estructurada por secciones, donde cada una corresponde a un agridulce romance.
Las parejas del Sr. Chow (Tony Leung), un periodista que se gana la vida escribiendo novelas de amor, son todas maravillosas: Su Li Zhen (Gong Li), una jugadora de cartas del mismo nombre que el personaje que encarnara Maggie Cheung en In the Mood for Love, Lulú/Mimí (Carina Lau), una prostituta que aparece en Days of Being Wild, Bai Ling (Zhang Ziyi), otra prostitura, y Wang Jing Wen (Faye Wong), hija del propietario del hotel donde se hospeda el Sr. Chow. Se debe agregar el personaje del episodio que recrea la novela futurista escrita por Chow: el androide wjw 1967 (Faye Wong), que acompaña a Tak (Takuya Kimura), álter ego del propio Chow.

Michelangelo Antonioni/Steven Soderbergh/Wong Kar-wai - Eros

Eros es un proyecto compartido por tres reconocidos directores: Michelangelo Antonioni, Steven Soderbergh y Wong Kar-wai, responsables cada uno de un episodio que tiene al erotismo y la sensualidad como tema central; unidos por una composición de Caetano Veloso dedicada al célebre Antonioni.

El peligroso filo de las cosas - Michelangelo Antonioni
Una pareja con desavenencias sexuales viaja a la costa de Toscana. El hombre conoce una joven pechugona y tienen sexo. Las dos mujeres desnudas bailan en la playa y, más tarde, se encuentran. Una bella fotografía de exteriores y diálogos propios de una telenovela.

Equilibrio - Steven Soderbergh
Durante una sesión de terapia, un paciente cuenta un sueño recurrente con una mujer, mientras su analista está más interesado en lo que observa por la ventana de su consultorio. Referencias oníricas, hitchcockianas, y una historia que no consigue crear interés.

La mano - Wong Kar-wai
Algunos críticos de cine sostienen que este mediometraje es la mejor película de Wong Kar-wai. Rodado durante la filmación de 2046, pertenece a la clase de melodramas en la obra de este autor cuyo estreno es In the Mood for Love (2000).
Ambientados en Hong-Kong en los sesentas, son relatos súper estilizados de historias de amor no consumado.

Oxide Pang Chun y Danny Pang - Muerte en Bangkok

La historia es simple y poco original: Kong (Pawarith Monkolpisit), un solitario asesino a sueldo sordomudo, conoce a una chica empleada en una farmacia de nombre Fon (Premsinee Ratanasopha) y, de ese modo, descubre un mundo cotidiano del que no forma parte.
La narración es lineal, sólo interrumpida por flashbacks referidos a la vida del protagonista, entre los que se destaca el de una agresión sufrida en su infancia, cuando otros niños lo golpean a causa de un prejuicio fundado en su discapacidad, hecho presentado como el motivo de su marginalidad.
El filme tiene un ritmo vertiginoso, en el estilo propio de los videoclips, por ejemplo, en la escena retrospectiva en que su mentor Joe (Pisek Intrakanchit), enseña a Kong el oficio, y muestra cierto abuso de recursos técnicos que, en mi gusto, solo añaden artificialidad al relato
Visualmente enseña colores saturados en luces de neón de bares y locales de striptease de los barrios bajos de Bangkok, espacio para el deambular de Kong.
Los hermanos Oxide y Danny Pang demuestran pulso para contar y solvencia en las escenas de acción, al mismo tiempo que es lograda la caracterización de Kong como un frío asesino profesional en oposición a su lado humano cuando se encuentra en compañía de Fon, por ejemplo, en la escena en que asisten a una función de cine donde se proyecta una película de Charles Chaplin, aún cuando tampoco sea novedoso.

Kim Ki-duk - The Coast Guard

En el marco del conflicto político que divide a Corea, el director Kim Ki-duk cuestiona la férrea disciplina militar y sus consecuencias sobre la personalidad inestable de Kang (Jang Dong-gun), un soldado excesivamente dependiente del ejército.
Tras haber ocasionado la muerte de un civil cuando tenía relaciones sexuales con su novia, Mi-yeong (Park Ji-a), dentro de una zona de la costa custodiada por el ejército, Kang es licenciado y comienza a perder la razón; en tanto la joven, mentalmente afectada, deambula sin sentido por el lugar donde ocurrió el trágico hecho, siendo abusada por el resto de la unidad.
The Coast Guard presenta sus protagonistas: un hombre que debe pagar sus culpas mientras se encamina a un inevitable final trágico, y una mujer degradada, víctima propiciatoria de la violencia, en un mundo inhospitalario donde no parece haber sitio para la empatía.
A partir de la denuncia del absurdo de custodiar en la actualidad la frontera que divide a las dos Coreas, con la excusa de la improbable intrusión de un espía, Kim ensaya en fílmico un firme alegato contra el servicio militar obligatorio.
La filmografía de Kim Ki-duk parece querer decir que la consecuencia de un hábitat social rígido es un ejercicio de la violencia física y psicológica que se torna inherente al modo de relacionarse de las personas, estableciéndose vínculos patológicos de dependencia mutua entre víctima y victimario.

Kim Ki-duk - Hierro 3

A propósito del cine de Kim Ki-duk. Asistir a la proyección de un largometraje del director coreano Kim Ki-duk significa ingresar en un universo de representaciones simbólicas coloridas y pintorescas que responde a una lógica propia.

Un mundo habitado por seres acostumbrados a prescindir de la comunicación verbal; impulsados por una permanente búsqueda de redención; inevitablemente involucrados en relaciones tortuosas, signadas por la violencia; como si estar atrapados en esos vínculos para víctima y victimario fuese forzoso, tal si estuviesen señalados por un fatum trágico, o mejor, el efecto del karma.

Solo en filmes recientes como Hierro-3 o El arco (2005), esos lazos son consumados de forma satisfactoria, pero fantástica, influida por una mirada mística.

Los ámbitos donde desarrollan sus actos son consustanciales con esos personajes, por ejemplo: las cabañas flotantes de La isla (2000); las casas deshabitadas de Hierro-3; el barco de El arco; mientras que los objetos sirven para materializar esos modos de relacionarse: la caña de pescar en La isla; el palo de golf en Hierro-3; el arco en El arco.

Son metáforas visuales bellamente poéticas opuestas a imágenes de una dureza extrema, siempre alusivas a sus protagonistas continuamente obligados a un sacrificio, cual ritual de expiación.